-Es de Valencia pero ha pasado gran parte de su vida en Granada, ¿por qué escogió esta ciudad?

-Yo hace años estaba viviendo en Londres estudiando y trabajando, y entre otras opciones me dieron la oportunidad de ir a Granada y entrar en la Orquesta de la ciudad. Luego, por circunstancias de la vida, decidí quedarme en la capital granadina. Ahora me acabo de mudar a Alemania porque hace unos meses saqué la cátedra de Música de Cámara para vientos de la universidad de Colonia, así que ahora mismo ya no estoy en la orquesta de Granada. Aún así, he pasado tres décadas en la ciudad, así que soy granadino por todas partes.

-Ha actuado con Trío Arbós en el pasado. ¿Cómo surgió esta colaboración en el Festival?

-Sí, he colaborado en varias ocasiones con ellos y siempre ha sido un placer. En esta ocasión, fue el Festival quien envió una invitación directa para que actuáramos juntos. Y yo, por supuesto, acepté encantado.

-Estrenan Música in tempore viri de Tomás Marco por primera vez. ¿Qué mensaje quieren trasladar al público?

-Es una composición realizada por Tomás Marco durante la pandemia, en el momento de confinamiento. Viene relacionado con El Cuarteto para el fin del mundo de Olivier Messiaen, que se realizó en un campo prisioneros durante la segunda guerra mundial, que en cierta manera era un confinamiento mucho más duro. El concepto de Messiaen, que es la parte extensa del programa, es un maravilloso ejemplo de colaboración en tiempos difíciles: una composición que transciende la técnica musical para apelar directamente al alma. La gente que acuda al concierto seguramente va a experimentar toda esa espiritualidad que transciende de Messiaen.

-¿Cree que hablar del coronavirus en la música es necesario, o el público busca una vía de escape para alejarse de estos momentos?

-La música es un espacio de arte en el que la experiencia que puede tener la gente es altamente individual. Cada uno siente lo que siente cuando va a un concierto, pero cuando se da la pureza comunicativa también es posible sentir que estás asistiendo a algo de manera colectiva, junto con otras personas, y estáis viviendo el mismo momento emocional. Es un hecho muy importante que nos ofrece la música como arte escénica, que sucede aquí y ahora. Cada persona del público se va con ese regalo a casa. En una situación o época como esta, que hemos vivido estos momentos tremendos, creo que es muy adecuado, muy natural.

Relacionado con esto, me viene a la memoria cuando interpretamos esta obra pocos días después del suceso de las Torres Gemelas, el fatídico 11-S. Recuerdo tocar esto y precisamente por ese momento mucha gente del público acabó con lágrimas en los ojos, porque era todo muy reciente y las emociones estaban a flor de piel.

-Por otra parte, ha interpretado el Cuarteto para el fin del mundo muchísimas veces. ¿Cambian tus sentimientos cada vez que la toca?

-Sí, ya he perdido la cuenta de las veces que la he interpretado, y además he hecho dos grabaciones de ella. Pero no tengo problema en seguir interpretándola. Cada vez que lo hago, en cierta manera, es como la primera vez. Para empezar porque toco con grupos y músicos diferentes, y cada uno de ellos tiene un estilo y una manera de interpretar, así que consigues un efecto diferente cada vez.

Por otra parte, es una obra de la que continúas aprendiendo constantemente. Cada vez que la interpretas tú también tienes tu propio viaje interior. Además, después de tantas veces ya lo haces con la tranquilidad de tener la parte táctica más resuelta y controlada, y eso te permite centrarte más en comunicar otros sentimientos.

"Cada vez que interpreto esta obra es como si fuera la primera vez"

-Ha tocado en prácticamente todo el mundo. ¿Cree que la música clásica se aprecia más en otros países y culturas que aquí?

-España es un grandísimo productor de músicos, lo que pasa es que se podría mejorar la red de soporte a la cultura y al arte, porque hay mucho talento pero no grandes estructuras para desarrollarlo. Esto está más resuelto en otros países como centro Europa, donde hay muchas más redes y actividades, no solo a nivel de estrellas sino de músicos medios. Hay más músicas de cámara, más orquestas…

Es cierto que en España hay muchas más orquestas y músicos que hace unos años, pero si lo comparas con Berlín o Colonia, te das cuenta que en esas zonas hay más orquestas que en todo nuestro país. En ese sentido tenemos que crecer, porque hay mucho talento aquí que creo que no se aprovecha.

-¿Qué consejos da a los jóvenes alumnos que quieren dedicarse a la música clásica?

-Cuando enseño a mis alumnos e interpreto, lo hago desde mi propia experiencia. A mí me parece que el músico tiene que trabajar con muchísima generosidad, porque es una vocación a la que te tienes que entregar y hacerlo con honestidad. También, sobre todo, tener un espíritu crítico positivo, seguir trabajando aunque no veas un avance de un día para otro. La música requiere un equilibrio, tanto a nivel físico, intelectual, emocional y sobre todo social, porque lo hacemos para las personas. Así que hay que mantenerse saludable en todos o en la mayoría de esos aspectos. Y sobre todo, no dejar que el nivel de perfeccionismo se convierta en una enfermedad, porque no es saludable.

-¿Cuánto tardó desde que cogió el primer clarinete hasta su primera actuación?

-Yo no soy un buen ejemplo para estos casos, porque empecé muy pequeño y a los 10 años ya estaba actuando en un concierto. Pero si me preguntas cuánto tardé en hacer una obra bien hecha, siempre hay días que sales más satisfechos que otros. Incluso en tus mejores días aprendes nuevos trucos, siempre puedes mejorar en algo. Al final yo pienso que el arte es para inconformistas, y tienes que seguir aprendiendo. El día que pienses que ya lo tienes todo hecho es el día que empezarás a dar pasos atrás.